¿Qué ajustes de cámara son mejores para tomar fotos de pinturas?

Lo primero que necesita es tener el derecho de copiar la imagen. Respeta al propietario de los derechos de autor. Si posee una pintura, eso normalmente no significa que posee los derechos de autor. Normalmente, si la pintura es muy antigua, el copyright ha expirado, pero eso requiere investigación. Los derechos de autor se extienden por la vida del pintor, más 70 años. (En los EE.UU.)

Lo siguiente que debe hacer, si la pintura está enmarcada detrás del vidrio, probablemente sea quitar el marco y el vidrio. El resplandor puede ser un problema real. Hay una alternativa descrita en el siguiente párrafo y enlace:

Existen técnicas de Photoshop similares a HDR en las que puede eliminar el deslumbramiento mediante exposiciones múltiples y mover la fuente de luz entre exposiciones, de modo que el resplandor aparezca en diferentes lugares. Explico la técnica en este enlace. La pintura barnizada a menudo tiene un brillo deslumbrante, por lo que esto es valioso incluso cuando el vidrio no es un problema:

Photoshop: lo opuesto a Star Trails es la eliminación del deslumbramiento.

Desea utilizar un trípode, bloqueo de espejo y un cable electrónico para minimizar la vibración.

Desea utilizar un flash difuso, con múltiples flashes para una iluminación uniforme. Se puede usar la luz solar indirecta, pero habrá variaciones de temperatura de color con el clima, la hora del día y dependiendo de las paredes cercanas y otros objetos que reflejen la luz.

Se pueden utilizar otras fuentes de luz, siempre que obtenga la temperatura de color correcta. El uso de una tarjeta gris fotográfica estándar hace que esto sea más fácil y más preciso.

Es importante tomar la foto con el centro de la lente alineada con el centro del arte y tener el cuadro de arte en esa línea central.

Si se requiere una resolución más alta, puede usar técnicas de costura de fotos para aumentar el detalle en su foto.

Si la pintura es demasiado oscura, debido a la suciedad y el envejecimiento, es posible que desee ajustar la exposición en consecuencia. Mirar el histograma es la forma habitual de hacerlo correctamente. Sin embargo, se necesita un buen juicio artístico y técnico para la interpretación del histograma.

En casos extremos, puede ser necesario un ajuste de color para tener en cuenta un cambio de color debido al envejecimiento y la suciedad. Por ejemplo, el amarillamiento es común. La restauración profesional antes de fotografiar sería ideal.

Deberías usar RAW. Y un bajo ISO para poco ruido.

Use el punto dulce en su lente para obtener la máxima nitidez, generalmente dos o tres paradas completas por debajo de la apertura máxima. Pero concéntrate con mucho cuidado. Use una lente principal en lugar de un zoom para obtener una nitidez máxima y una distorsión mínima y menos aberraciones cromáticas.

La buena iluminación es lo principal a tener en cuenta. La configuración de la cámara puede variar considerablemente.

Además de las respuestas ya dadas, creo que necesita saber sobre la corrección digital de la distorsión de la lente. En realidad, solo necesita saberlo, no cómo hacerlo, ya que puede ser un proceso completamente automático si su software de procesamiento tiene un perfil para la combinación de cámara y lente que está utilizando. Adobe Photoshop tiene la colección más completa de perfiles.

Cuando trae un formato sin formato a Photoshop CC, la aplicación seleccionará el perfil de la lente y lo aplicará como desee. Puede intervenir, pero para las fotos de archivo de obras de arte planas no hay razón para hacerlo.

La dispersión cromática se alineará y cualquier distorsión de barril o alfiletero se enderezará, junto con cualquier viñeteado. Esto es particularmente importante cuando se usa una lente gran angular, que podría tener que usar si está disparando en un espacio reducido. Las lentes gran angular para cámaras DSLR usan más elementos de lente para reducir un amplio campo de visión en un ángulo más estrecho para el sensor (llamado diseño de enfoque posterior). Puede haber una ligera caída de los niveles de luz hacia los bordes. Photoshop corrige todo esto cuando se abre la foto en bruto con sus metadatos adjuntos.

Las lentes gran angular inevitablemente están sujetas a deformación de volumen, que es diferente de la distorsión óptica o la distorsión de perspectiva. Hasta cierto punto, dependiendo de la distancia focal utilizada, una imagen de relleno de cuadro tomada con una lente gran angular se estirará progresivamente hacia los bordes, incluso después de que se realicen todas las demás correcciones digitales. Puede leer sobre la deformación del volumen aquí (información proporcionada por una empresa que vende software correctivo), pero la mejor manera de evitarla al archivar pinturas es evitar el uso de lentes gran angular.

Sugeriría usar una distancia focal más larga siempre que sea posible, y evitar lentes con zoom por completo. Un teleobjetivo suave sería ideal, la llamada lente de retrato. Con la corrección digital, la excelencia óptica de una lente no es tanto un factor, pero cuanto mejor sea la calidad de la óptica, mejor será la imagen, y una lente de retrato de distancia focal fija clásica es el sueño de un diseñador de lentes. Tengo una vieja lente Leitz de 90 mm para mi Sony Alpha 6000 a través de un adaptador de montura E, y a pesar de la ausencia de un perfil, sé que la excelencia de la óptica no necesita corrección. Las imágenes tomadas con un teleobjetivo suave no muestran deformación de volumen.

Hay otro factor sobre el que solo estoy especulando, pero podría tener un efecto sutil pero notable. Con una lente gran angular, la luz de la pintura se recibe en una amplia gama de ángulos, y eso causaría un efecto no uniforme en la imagen capturada. Con un teleobjetivo, la lente de la cámara recibe la luz difusa de la pintura en un ángulo estrecho. Si la textura de la pintura es importante, esta diferencia afectaría la calidad de la preservación fotográfica de los archivos. Antes de fotografiar una imagen en particular, párese a un lado y busque variaciones en el mismo punto de la pintura de acuerdo con el ángulo en el que se ve.

Y, por último, con el procesamiento digital debe considerarse la visualización digital. Lo que ve en el monitor afectará su juicio. Debería utilizar un monitor calibrado para este tipo de trabajo.

Hago esto regularmente …

Utilizo un par de cámaras y configuraciones diferentes dependiendo del uso previsto de mi cliente.

Para la reproducción artística, tengo una cámara de gran formato 4 × 5 en una configuración de estudio completa. Disparar con esta cámara es divertido, y puedo decirle a la gente que mi cámara cuesta $ 20,000, ¡jaja! La cámara está montada en un carro rodante de la cámara sobre rieles para ajustar la distancia del arte. Las luces son todas bombillas HPS de 5k, con filtros de película polarizadora frente a ellas. La cámara se alinea con el muro de captura usando un ZigAlign para mantener las cosas cuadradas y rectas. Disparamos a f / 11 típicamente. A veces, con piezas de alta textura, se elevará a 16 para aumentar la profundidad de campo. La lente es de 210 mm, pero a veces se cambia por una lente de ángulo más amplio de 150 para obras de arte de gran tamaño. La lente también tiene un filtro polarizador giratorio para controlar la captura de material gráfico metálico y negar cualquier reflejo de luz en las piezas reflectantes, lo que permite una polarización del 0 al 100%. En lugar de película, se utiliza el escaneo digital Betterlight 6k. La configuración de la cámara se perfila utilizando el X-Rite Digital Colorchecker SG para crear un perfil de color de cámara icc personalizado que se incrusta en el archivo de captura final. También hay una curva tonal personalizada aplicada a la captura dentro del software propietario de Betterlight. Todas las ilustraciones se capturan con el X-Rite Colorchecker Passport para equilibrar el blanco y el color del archivo más adelante en Photoshop. Realmente no puedo decirte un ISO específico o una velocidad de obturación. Con esta configuración, el ISO depende de la distancia entre el arte y la cámara, la cantidad de polarización y la reflectividad del arte específico que se captura. La velocidad de obturación es inexistente y se reemplaza por un tiempo de línea de escaneo … el escaneo tiene tres sensores de línea de escaneo, uno dedicado a cada canal de color (RGB), y generalmente se mantiene aproximadamente a 1/15 de segundo. Por lo tanto, los sensores de la línea de exploración se mueven horizontal o verticalmente a través del campo de visión a esa velocidad. Cada escaneo dura aproximadamente 10 minutos, más una configuración de aproximadamente 5 minutos. Esto da como resultado un archivo TIF de 16 bits de aproximadamente 650 mb.

Para las capturas de presentaciones web y artísticas, tenemos una configuración un poco más simple. En su lugar, se utilizan luces estroboscópicas en PowerPacks, aún con filtros de película polarizada. Sinceramente, no podría decirte en qué están configurados los ajustes de PowerPack. La cámara es una Canon 5D. Se dispara una tarjeta blanca para establecer el balance de blancos de la cámara. La obra de arte se filma con el Pasaporte ColorChecker para los tés mencionados anteriormente. El disparo siempre se realiza utilizando un trípode o un soporte de copia montado verticalmente. El ISO se establece en 100. La distancia focal de la lente es de 50 mm, pero debe averiguar cuál es la “mejor” o la longitud nativa para su lente específica, y tratar de cumplirla. Se utiliza el enfoque manual con asistencia de enfoque audible en lugar del enfoque automático. La cámara está conectada al PowerPack para disparar las luces estroboscópicas cuando se abre el obturador. Se toman fotografías entre corchetes, del 16 al 22. Por lo general, estos son solo archivos JPEG grandes y no archivos sin formato. La mejor toma se elige en Adobe Bridge más tarde.

En este punto, sin importar para qué servicio estoy filmando, el archivo sin formato se abre en Photoshop. El monitor de mi estación de trabajo es un monitor de gama de colores de gama alta Eizo, calibrado con X-Rite ColorMunki a D65 (no pregunte por qué no está configurado en D50 … todo es muy técnico relacionado con la luz reflectante frente a la emitida, los valores de gamma y un montón de otras cosas de ciencia óptica, jajaja). La obra de arte se coloca en una cabina de luz de 5k de color correcto al lado de mi estación de trabajo para inspección visual y comparación. El archivo se convierte del espacio de color de la cámara nativa a Adobe RGB 98. Los puntos Blanco, Gris y Negro se configuran utilizando una capa de ajuste de Niveles y el Pasaporte ColorChecker que debería estar en la imagen que capturamos. Después de eso, las tomas de la Canon 5D están casi terminadas. Es posible que se realicen algunos ajustes leves, pero el color crítico no es el objetivo de ese tipo de captura. Las capturas de Bellas Artes pasan por una corrección de color más extensa para cada canal de color y, a menudo, un proceso de prueba de impresión para marcar la pieza para que coincida con el original lo más cerca posible.

Creo que eso es todo! Intentaré actualizar algunos detalles, como los tipos de lentes y cualquier otra cosa que piense que me haya perdido.

¡Cualquier pregunta es más que bienvenida!

Tomé más de 600 fotos de bellas artes para un museo en Italia, para ayudarlas a catalogar a su artista en residencia con fines de seguro. Estos trabajos incluyeron todo tipo de medios y combinaciones de estilos. Trabajé con el artista en casi todas las tomas para asegurar que el diseño del color fuera el esperado. Al hacerlo, desarrollé una ‘paleta’ de ajustes digitales para trabajar con (Photoshop). Los apliqué a cada foto y luego los ajusté según fue necesario. Utilicé un fondo negro mate para asegurar que los colores no competirían. Cada toma fue evaluada por reflejos e iluminación. Y compré lentes gran angular de muy alta gama para asegurar que los lienzos más grandes estuvieran completamente administrados. Finalmente, y dado que el gran angular puede producir una gran cantidad de ‘arqueamiento’ de líneas rectas, ajusté cada disparo después del hecho para enderezar las líneas arqueadas. Si hubiera tenido una buena lente de cambio de inclinación, podría haber evitado ese paso, pero eso no estaba en mi presupuesto. Finalmente, cada disparo tiene que ser absolutamente directo para evitar problemas angulares.

¡Espero que ayude!

Además de las otras respuestas, un par de pequeños puntos:

1. NO elija aberturas realmente pequeñas, elija algo intermedio, como f / 8 más o menos. No necesita una gran profundidad de campo si está en cuadratura con la cámara. Las aberturas pequeñas reducen la resolución gracias a los efectos de difracción.
2. Recomiendo usar una lente macro si es posible. Tienen una gran resolución y también son una buena corrección para la distorsión de barril y acerico.
3. La luz polarizada cruzada es realmente útil para eliminar o reducir los reflejos, pero úsela con cuidado, ya que también puede agregar contraste.

¡Espero que esto ayude!

Las cosas son bastante obvias. Use un f-stop pequeño (como en número alto) para asegurarse de que no tiene ningún problema de enfoque. Use un ISO bajo para minimizar el grano. Si es posible, configúrelo afuera o en algún lugar con luz natural, o al menos con luz constante, y obtenga el balance de blancos correcto ANTES de tomar la foto. Sí, puede corregir la temperatura de color después, pero no es tan fácil como podría esperar. Use una lente que no distorsione las líneas rectas y tome el nivel de su foto con la imagen para que no tenga que corregir los bordes (para que tengan ángulos rectos) después.

En el procesamiento posterior, asegúrese de mantener el DPI a 300 o más y guarde sus fotos como algo (como archivos TIFF) que no se degrada (como JPG).

La verdad es que no creo que esta ciencia de cohetes. He tenido varias fotos de obras de arte que aparecen en revistas de arte publicadas, directamente de la imagen que les envié.

Aunque la pintura es plana y, por lo tanto, está en el mismo plano de enfoque, aún así recomendaría usar una abertura estrecha para asegurar que toda la imagen esté enfocada y nítida. Dependiendo del tamaño de la pintura y de su distancia, el mejor valor variará, pero comenzaría con f / 8. Si está utilizando un trípode y supongo que la pintura no se balancea y no hay pases, entonces la velocidad del obturador no importará, así que coloque la cámara en modo de prioridad de apertura en f / 8 y deje que la cámara determine la velocidad del obturador . Probablemente va a llenar el marco con el trabajo de arte, por lo tanto, configure la exposición como evaluativa para que tenga en cuenta toda la escena. Si su pintura es solo una parte de su escena en una pared blanca, entonces es posible que necesite usar el promedio ponderado central o la medición puntual.

Un caso especial es si estás en una galería o museo ocupado y la gente pasa frente a ti, entonces un truco es usar una velocidad de obturación larga para hacerlos invisibles. Si ajusta la velocidad de obturación a unos 10 segundos y la apertura a su valor más estrecho será demasiado brillante, por lo que necesitará un filtro de densidad neutra que disminuirá el brillo en 2 a 4 paradas (piense en gafas de sol para su lente). Esta configuración significará que mientras los transeúntes se mantengan en movimiento y no se detengan y miren por mucho tiempo, todavía puede recibir su disparo.

En todos los casos, recomiendo una lente macro para capturar detalles finos.

Se trata más de la iluminación que de la configuración de la cámara. El resplandor es tu enemigo. Lo que desea es al menos dos fuentes de luz de igual brillo, una a cada lado de usted, que provenga de un lado lo suficientemente alejado para que no vea el reflejo de la fuente de luz en ninguna área brillante de la pintura. también desea que las sombras de cualquier elemento elevado en la pintura sean rellenadas por la fuente de luz del otro lado. Para la configuración, reduzca la saturación y el contraste para que pueda estar seguro de capturar todos los detalles, luego recupere esos valores en su computadora en la edición. Trípode, Sin formato, tamaño máximo de archivo, eso es todo correcto.

Este video aquí hace un muy buen trabajo al explicar la configuración y dónde y cómo fotografiar obras de arte. ¿Cómo fotografío mi obra de arte?

Lente: si está usando una lente de zoom (como veo en sus fotos), busque algunas reseñas de la lente en algunos sitios de cámara y descubra qué distancia focal tiene la menor cantidad de distorsión y configure su zoom a esa longitud. Mueva la cámara hacia adelante y hacia atrás con el trípode para llenar mejor el cuadro con la imagen. Mejor aún, compre una lente de distancia focal fija larga que debería darle aún menos distorsión.

Iluminación: el flash no suele ser tan bueno para la iluminación debido a la caída de la luz en las esquinas de la imagen. Puede iluminarse artificialmente con dos fuentes de luz a la izquierda y derecha de la imagen, utilizando cubos de luz o sombrillas para difundir la luz de manera uniforme O tomar la fotografía al aire libre en un día nublado.

Tomar la foto: use un obturador remoto o el temporizador del obturador para evitar mover la cámara durante la toma.

Solo agrego algunos pequeños consejos:

Al disparar una pintura con marco, especialmente el marco profundo, apunte la iluminación a cada lado de la pintura al otro lado de la pintura. Entonces, para eliminar / reducir la sombra del marco.

Entonces, la luz (difusa) en el lado derecho apunta al lado izquierdo de la pintura, viceversa.

¡Buena suerte!

Necesitas iluminación plana. Se puede hacer con luz natural, pero un par de cabezales de iluminación de estudio con sombrillas sería la forma más consistente de hacerlo porque su configuración debe ser la misma en todo momento.

Use una tarjeta gris para determinar la exposición.

No se trata de la configuración en absoluto. Se trata de desarrollar las habilidades que requiere la imagen. Sólo

como escribir tiene muy poco que ver con las herramientas de escritura …